LA RUTA DEL BAKALAO

Caballeros de neon

2010-05-17T00:36:00.001+02:00

Porque todos hemos sido alguna vez caballeros de neon, caballeros de la noche. Por Ronnie James Dio, cantante durante una época de Black Sabbath, que murió ayer. Aquí dejo, a mi entender, su mejor canción con los Sabbath.

Fdo:

Un humilde redactor

Romper las "raíces"

2010-05-16T16:35:00.008+02:00

Por casualidades de la vida, anoche estuve en el concierto 'Leyendas de Fuenlabrada', en la Sala El Grito de la localidad madrileña. Allí actuaron durante toda la tarde-noche grupos como Oro Negro, Las Bragas Blues Band, Diarreitor, Heimdall o Aleister, conjuntos nacidos en Fuenlabrada con más o menos éxito. Pero el verdadero concierto estaba con Stravaganzza, la banda de Leo Jiménez, que presentaba su último disco Raíces.

Y aquí vengo a hacer pública mi disconformidad con lo que ha hecho este grupo, que se hace llamar grupo de rock cuando realmente hacen música más propia de la ópera, más parecida a Il Divo (con todos los respetos) que a lo que habitualmente había venido haciendo Leo con sus anteriores bandas. Perfecto, si pretenden hacer este estilo de música, es respetable que la hagan; pero que no se vendan como una banda de metal, porque hace tiempo que dejaron de serlo. Gritar sin desafinar no conlleva ser un grupo de heavy.

Letras y sonidos repetitivos, con un cuarteto de cuerda que eclipsa al guitarra Pepe Herrero y al bajista Patricio Babasasa, más conocido como Patrik, que en prácticamente ningún momento dejan su sello con algún solo. Con un estilo que coarta la actuación de ambos y únicamente deja lucirse a la voz de Leo, portentosa, como siempre, pero totalmente desaprovechada. La voz que hace que aún haya gente que los siga, pero que combinada con un acompañamiento en condiciones daría muchísimo más de sí. Hacer metal con sonidos clásicos está muy bien, pero ello no significa acabar con la esencia del estilo, que es exactamente lo que ha hecho Stravaganzza.

PD: Os dejo aquí una de las canciones de este grupo que sí merecen la pena, aunque ni siquiera sea suya...

Wrath (2009) - Lamb of God

2010-05-05T21:16:00.000+02:00

El último disco de Lamb of God, banda estadounidense de metal, es quizá el mejor de la banda, aunque el sonido del anterior disco, Sacrament (2006) no es nada despreciable. Qué decir de canciones de ese disco como la que lo abre, Walk with me in hell, toda una declaración de intenciones.

Wrath (Ira) se publica en 2009, siendo el cuarto disco de estudio de la banda. Wrath muestra una cuidada producción, con un sonido limpio y exquisito. Como el resto de sus discos, la duración de los mismos no se alarga más de 45 minutos.

En este disco, Lamb muestra las características adquiridas durante el New American Gospel (2000), As The Palaces Burn (2003) y Ashes Of The Wake (2004) y refinadas con Sacrament: duros riffs de guitarra, bombos ametralladores y voces guturales, rasgadas y ciertamente melódicas.

El Wrath se inicia con una agradable intro titulada The Passing, la cual nos inicia en el demoledor sonido que enlaza en In Your Words, segunda canción del disco. El riff inicial es comparable a un Hangar 18 de la época o un Fight Fire With Fire, puro sonido americano, pura ira contenida en los poco más de 5 minutos de canción. Lamb of God ha llegado, su carta de presentación, exquisita.

Seguimos con Set to Fail, atronadora batería inicial, seguido de veloces riffs, para introducirnos en un acelerado ritmo desencadenante de la mayor locura existente, pequeños cambios de ritmo que nos llevan de un lado a otro del lugar menenando nuestras greñas o luchando por nuestra vida. Tralla, pura y dura tralla, disfrute, ira, descarga de ira.

Tras un grito nada gurutal inicial, Contractor nos destruye los tímpanos en un final atronador con esa característica sonora de este nuevo metal americano, traido directamente de gente como In Flames o Slipknot, cruze de ellos dos, evolucionado con el sonido de las guitarras del más "jevi" power metal y un bajo que a veces nos recuerda a Tool en su inclasificable metal nace este nuevo estilo llamado metalcore, el nuevo metal, y Lamb of God son cabeza visible, como Metallica en sus primeros tiempos o Iron Maiden en su etapa con Dickinson.

Lamb of God es un grupo que crece hacia un estilo propio, un estilo muy duro comparado con el heavy metal, un estilo nacido del desgarro, como Slipknot, pero sin perder la razón de banda de metal, nada de grandes percusiones: una batería acelerada, unas guitarras atronadoras, dulces y épicas por momentos, bajos demoledores y una voz rota, desgarrada y cargada de ira como el buen Corey Taylor en el Slipknot (1999).

Este nuevo estilo solo representa la punta de lanza de una evolución en el sonido americano, que desde el trash de Metallica, Megadeth, Slayer han ido marcando el ritmo del cambio. El metalcore une el hardcore de finales de los 70 de la escena neoyorkina con sonidos directamente traidos de Slayer o Sepultura con la fluidez y desarrollo de guitarras power, guitarras gemelas de grupos como Blind Guardian o Dragonforce, aunque reusando del brillo de técnicas tan desarrolladas como la del guitarra de éste último grupo.

Merecen mención del Wrath todas y cada una de las canciones, Broken Hands, a mitad de disco nos devuelve a la tranquilidad de The Passing, aunque solo sea una mera ilusión para traernos más muerte y destrucción.

Quiero pararme especialmente en la última canción del disco, Reclamation, siendo esta la canción más larga del mismo, rondando los 7 minutos, en ella se condensa todo ese estilo que hablamos, aunque más pausado, llevando los cambios de ritmo la pauta de la canción, pero sin perder en ningún momento la esencia del grupo. Estamos en la onceava canción, en la última y lo sabemos, sabemos que es el fin, una gran despedida, que redondea este disco, que, sinceramente es de lo mejorcito que ha salido en 2009, junto al Blue Record de Baroness, el Static Tensions de Kylesa y el Crack The Skye the Mastodon. Los cuatro discos del mejor metal de 2009, sin duda.

Punto y aparte fue la suerte que tuve el 14 de Julio de 2009 en Madrid de disfrutar del directo de Mastodon, Lamb of God y Metallica, juntos en un concierto de metal de los que marcan época, una gira inigualable, donde los "listos" de Metallica, que presentaban su último disco, saben rodearse de lo mejorcito del momento, al igual que aquel concierto con Slipknot en Zaragoza, mientras estos presentaban su Subliminal Verses. Increible. Si teneis la oportunidad de disfrutar en directo de esta gente, hacedlo, y protección, que los codazos duelen.

09. Everything To Nothing

10. Choke Sermon

11. Reclamation

Fdo:

Un humilde redactor

Sin Documentos (1993) - Los Rodriguez

2010-02-16T19:45:00.001+01:00

Tercer disco de esta formación argentino-española capitaneada por el mitificado Andrés Calamaro, con Don Ariel Rot a la guitarra solista como el gran duo cómico de este grupo llamado Los Rodriguez. Los complementarios a este dúo eran otro ex-Tequila, Julián Infante, encargado de la guitarra rítmica y Germán Vilella, batería.

Esta es la formación clásica de este grupo que marcó el primer lustro de los 90 en España. A la formación se añadía Daniel Zamora, al bajo. Siempre presente aunque no de manera oficial, él era el quinto Rodriguez.

Este disco suspuso el conocimiento y expansión de la marca Calamaro-Rot. Publicado en 1993 por la discográfica Gasa. Producido por Niguel Walker y los propios Rodriguez.

La primera canción del disco, Pequeño Salto Mortal, un rock´n´roll al más puro estilo, nos ejemplifica como arrancar un disco redondo. Con un Ariel pletórico en la guitarra y en los coros, Andrés se desvive al teclado y en la letra. Un gran ejemplo de como componen estos dos grandes músicos.

La segunda canción del disco, también de letra de Andrés, Hasta Que El Sueño Venga, nos demuestra una gran composición y arreglos al final de la canción, con un tempo tranquilo, Ariel nos lleva con su guitarra por un viejo y tranquilo viaje acompasando la versión onanista de Andrés.

La tercera canción, Dulce Condena, es uno de los grandes temas de Los Rodriguez, y lo és por derecho propio. Ariel se destaca en su función de solista y Calamaro le acompaña con su visión más particular de un rock´n´roll bien hecho. Gran canción de corte pop, una de las joyas de este disco.

¿Qué decir del cuarto corte del disco? ¿Existe mejor forma de obtener sonidos y llevarlos a un nuevo estadio como es capaz de entender Calamaro la música patria? La cuarta canción de este disco, evidentemente, es Sin Documentos, que además da título al disco. ¡Qué principio!, con un Germán pletórico marcando el ritmo al que se añade Ariel con ese riff tan particular y mítico. Todo está calculadísimo en esta canción que no es más que la epopeya de la rumba, o como un argentino aterriza en España para enseñarnos como debe hacerse una rumba bien hecha. Díganselo a los Estopa de hoy en día, ¿no? Punto y aparte es la actuación del querido guitarra ex-miembro de Tequila Ariel Rot, que nos demuestra una gran técnica y ese sonido particular suyo en esta canción.

Tras Sin Documentos viene Na, na, na, una canción de corte precisamente tequilero, con Ariel a la voz y a la dirección del grupo, donde Andrés acompaña con el teclado al rock and Ariel.

La sexta canción del Sin Documentos se titula 7 Segundos. Es la perfecta canción calamariana, es bella y aterradora a partes iguales. Leí alguna vez que era la imperfecta comunión, no se me ocurre mejor forma de describirla.

Salud (Dinero y Amor) es otra de los grandes temas de este grupo argentino. De toque ligeramente mariachi esta canción desborda animosidad con esa letra tan desenfadada de Andrés que nos sorprende con unos versos finales tan claros: ".. Si alguna vez no brindo siquiera por tonterías, brindaré con silencio por la fortuna perdida. Brindaré muy en serio por una vez en la vida: brindo hasta la cirrosis por la vacuna del sida! "

Mi rock perdido es otra joya de este disco. El propio Andrés la describe como el síndrome del papel en blanco. La canción nos transmite los sentimientos de un autor cuando pierde una composición entre papeles o la olvida. Una canción de tinte alegre, saltarina.

Increible, mágica, evocadora y mística. Me estás atrapando otra vez es un gran tema. Con un recuerdo, no se por qué a Black Magic Woman de Santana, Ariel nos demuestra que él es uno de los grandes guitarras de la historia, lástima que sea argentino y no americano. Gran composición del mismo Ariel y Julián Infante. Grande, grande, grande, la versión del Hasta Luego, en directo es sencillamente mágica. Sencillo, claro y conciso, el estilo de Ariel no excede los grandes guitarras pero al igual que Santana su sonido es reconocible e identificativo como propio. Y Calamaro no puede ser menos bordando la voz.

Mala suerte es el corte número 10 del disco. Otro tema factura Ariel, pegadizo donde los haya. "...afortunado en el amor, mala suerte en el juego..."

Dos temas nos quedan para terminar el disco. El onceavo tema: Algo se está rompiendo. Sinceramente hay pocos finales de disco como el protagonizado por el Sin Documentos. Esta instrumental canción nos presenta a unos Rodriguez acompañados por un perfecto saxo, trombón y trompeta, donde el estilo blusero de la guitarra de Rot nos lleva a un climax músical con un solo al más puro estilo Wah-Wah, con un ritmo perfecto de Julián y Germán.

El final del disco: Especies que desaparecen. Una joya que se reservaban en los directos para sus públicos más exquisitos y sibaritas. Andrés se sale y Ariel le acompaña. Triste canción con un mensaje: el rock muere. O poco queda a día de hoy. ¿Quizá Calamaro previno el estadio musical actual? Eso nos lleva a la consiguiente pregunta: ¿Es Calamaro Dios? ¿Lo es Maradona?

Disco redondo, de esos discos para disfrutar en soledad, en el tren o mientras discurres por la vida.

1. Pequeño Salto Mortal

2. Hasta Que El Sueño Venga

3. Dulce Condena

4. Sin Documentos

5. Na, na, na

6. 7 Segundos

7. Salud (Dinero y Amor)

8. Mi Rock Perdido

9. Me Estás Atrapando Otra Vez

10. Mala Suerte

11. Algo Se Está Rompiendo

12. Especies Que Desaparecen

Versionaza en directo, en Fuenlabrada. Esta versión está en el Hasta Luego (1996)

Fdo:

Un Humilde Redactor

Eliminator (1983) - ZZ Top

2010-02-08T14:25:00.004+01:00

Discazo donde los haya. De 1983, este disco de los ZZ Top incorporaba los sintetizadores a un sonido sureño de rock´n´roll.

Es el disco más vendido de la banda, sí, pero eso no quiere decir que no posea destellos de calidad, no tiene porqué clasificarse como comercial y poco más.

El estilo de esta banda, un estilo sureño ya quedó patente con su famosísima "La Grange", del disco "Tres Hombres"(1973).

"Eliminator" es especial por varias razones. Es el primer disco que incorporó, repito, el sonido del sintetizador al blues-rock que ellos hacen (también lo llaman rock sureño). Grandes canciones con riffs potentes como la que abre el disco, "Gimme All Your Lovin´" con ese sonido nuevo y particular dentro de su estilo, esa batería a la que se introduce la guitarra con esa distorsión típica del sur.

La segunda canción, "Got Me Under Pressure", también nos presenta un riff potente acompañado sabiamente de un ritmo pegadizo y una melodía grandiosa que sólo nos puede incitar a bailar. Y ese solo final, de una fina ejecución no hace más que recordarnos que estamos escuchando a ZZ Top y no a cualquier otro, al más puro estilo de "La Grange"

Este disco fue el primero que grabaron con Warner y en la producción se nota, está más cuidada, y por qué no decirlo tiene ese sonido ochentoso que nos recuerda que ya no se hacen discos como antes, el sonido de la década donde se añadió la batería electrónica y el sintetizador hasta a la sopa.

La tercera canción del disco, "Sharp Dressed Man" tiene ese sonido que os hablo, nos remite a los Lynard Skynard pero mucho más actual, es la evolución y la mezcolanza de estilos.

Pero la calidad de este disco, por lo que merece la pena comprarlo es por canciones como esta "I Need You Tonight", balada con una innegable calidad, donde la voz de Gibbons encaja perfectamente. Esta canción tiene ese aire del que os hablo, esos solos tranquilos del mismo Gibbons y es aquí donde se demuestra que no hemos derrochado el dinero en un disco. Si quieres rock´n´roll este es tu disco.

Creo acertar que la canción más famosa de este disco, o la que mejor incorporá el sonido sintetizador es "Legs". El sintetizador es la unión de toda la canción y la que nos da el ritmo de la canción. Las baterías de Frank Beard son marca de la casa, simples, como los AC/DC, pero en la simpleza está la clave.

Es un disco altamente recomendable, simple, gustoso de escuchar, y que ante todo, en mi caso, me anima y alegra. Imposible es imaginarse estar tocando una canción de los ZZ Top sin una sonrisa en la cara, el rock sureño es el rock más ligado al blues y es alegría, eso, ante todo una sonrisa, aunque los ZZ Top la escondan tras esa poblada barba.

1. Gimme All Your Lovin´

2. Got Me Under Pressure

3. Sharp Dressed Man

4. I Need You Tonight

5. I Got The Six

6. Legs

7. Thug

8. TV Dinners

9. Dirty Dog

10. If I Could Only Flag Her Down

11. Bad Girl

Fdo:

Un Humilde Redactor

Aenima (1996) - Tool

2009-11-18T18:41:00.006+01:00

No puedo dejar de escuchar este disco, lo intento, intento dejarlo, pero el hipnotismo al que me ha sometido es inigualable. Magia, chamanismo, estos chicos de Tool nos dejan anonadados con tan magna obra. Sencillamente genial.

Ese estilo suyo, que te introduce en un mundo paralelo, en otra realidad, te transporta con su fluir y su multitud de cambios. Desde Stinkfist pocos discos han podido empezar tan increiblemente. Su ritmo, a contratiempo, y la fuerza de su música nos remiten a la gran proeza técnica de este disco. Mejor carta de presentación no podia tener.

¿Qué decir de Eulogy? Esa grandeza de Tool, poco a poco, esos in crescendo, esa introducción de instrumentos, el bajo, y la potencia con la que entra la guitarra y desgarra ese sentimiento inicial, esa rudeza de sonido, tan cuidado a su vez. Siempre esos sutiles cambios, sin darnos cuenta, ya estamos en otro estadio, en otro momento.

H. es punto y aparte. Tras el cúlmen de Eulogy, la tercera canción del disco nos exime de nuestros pecados. Qué apoteosis, qué final.

Jimmy, Pushit, son una muestra más de la magia que los Tool nos ofrecen en este disco. Precisión técnica y lírica, unida a una cuidada producción, eso es Aenima. Eso son los Tool.

Message to Harry Manback es un mensaje que le dejaron al cantante en su contestador. Tras esto, la fuerza de Hooker With a Penis nos sobrepasa tras esa cantidad de insultos pausados que es Message... Fuerza, no hay otra descripción para esta canción.

Así me viene a la mente Die Eier Von Satan, eso si que es saber decir una receta y lo demás son tonterias. Y se echa la nataaa!! Cualquier alemán o aquel que entienda el alemán sabrá que no es ningún discursito nazi por mucho que lo parezca. Es una simple receta. Además de la calidad técnica, la calidad de sus letras se muestra en esta ironía, y esto es solo el principio.

Quiero reservar un momento para Forty Six & 2. No se que tiene, pero por encima de todas destaca. No se si es su claridad de sonido, su mensaje, su vitalidad, pero es imposible estar indiferente delante de semejante canción. Increibles riffs, magna bateria, esta canción suena sólida, y el viaje al que nos somete no nos deja otra opción que mecernos ante su fuerza y seguir esa corriente rio abajo para llegar a los rápidos del final donde la catarsis a la que nos ha sometido nos lleva a un nuevo estadio, despertando una fuerza vital indescriptible.

El llanto del niño en Cesaro Summability y el sonido de esa onda nos lleva directamente a la canción que da título al disco, Aenima, la canción que me dio a conocer a Tool, que me demostró lo que puede cambiar el género y la variedad de formas, cambios y estilos musicales, unidos mágicamente en ese estilo tooliano. Solo doy gracias, no recuerdo bien quién fue, pero gracias, si no hubiera sido por Aenima no conoceria a Tool, y ahora es imposible dejar de escuchar a esta gente.

Igualmente que Stinkfist es una de las mejores formas de empezar un disco, Third Eye es una de las mejores formas para cerrarlo. Third Eye está introducida por (-)Ions, con el sonido de esa bombilla se da paso a los latidos del corazón, de ahí a un monólogo, durante el cual se nos va introduciendo poco a poco los instrumentos y los sutiles cambios de ritmo de esa bateria increible nos trasportan hasta la magia de solos de guitarra virtuosos a los cuales se les añaden partes ritmicamente muy técnicas e increiblemente bien ejecutadas. Más y más cambios, que nos presagian lo que está por venir, el súmun del disco, en un increible tema.

Tool es una banda que hay que escuchar, es una música que no deja indiferente, una música que marcó un antes y un después en un estilo llamado metal. Es uno de los discos que todo el mundo debe llevar en el mp3 o sucedáneos. Sus elaboradas composiciones no tienen nada que envidiar, ya no a grupos de rock progresivo como los Pink Floyd o Génesis. Aenima marcó el comienzo de un estilo, marcó una época y lo seguirá haciendo, porque es uno de esos discos marcados con la magia de pasar a la posteridad.

Son Tool, es Aenima.

Fdo:

Un Humilde Redactor

Quiero bailar ska...

2009-05-21T22:25:00.000+02:00

Ska-p nos obsequiaba en el año 2000 con Planeta Eskoria, su tercer disco de estudio. El grupo vallecano volvía a las andadas con su crítica social, con su tratamiento de temas políticamente incorrectos y temas tabú, tratando de generar una conciencia social, y ofreciendo a sus fans catorce nuevos himnos revolucionarios, de los cuáles me dispongo a desgranar los mejores...

1. Planeta Eskoria era el título de la primera canción, un tema muy general sobre el mundo actual: inmoralidad, pederastia, prostitución, miseria, globalización, corrupción, incivilización y un largo etcétera vistos desde la hipocresía de los países desarrollados.

2. Vergüenza, tema antitaurino (o mejor dicho pro-taurino) crítico con la "fiesta nacional", llamada ahora "fiesta criminal". La tradición taurina española puesta en entredicho, tratada como la vergüenza de un país que se supone desarrollado: una "cultura" en la que se hace sufrir a un animal innecesariamente, lejos de que sea considerado un arte.

5. Naval Xixón trata sobre la lucha obrera de los astilleros de Naval Gijón para defender sus derechos; una lucha sindicalista lícita, aunque violenta debido a la gran represión que se obtuvo como respuesta.

7. Eres uno más habla de los problema que nos encontramos en nuestra vida cotidiana: religión, trabajo, manipulación, sumisión... y lanza un mensaje de lucha contra el sistema.

9. A la mierda es probablemente la mejor canción del disco. Define al reaccionario, aquel que se opone a las revoluciones, al conservador de turno. Es simplemente sublime.

14. Mestizaje trata de las diferencias culturales que separan a los diferentes países, y aboga por acabar con la hostilidad entre razas. Una canción contra las fronteras, el patriotismo y el racismo.

Se puede estar de acuerdo o en desacuerdo con ellos en una u otra cosa, pero lo que está claro es que hay pocos grupos tan directos en sus planteamientos. Utilizar la música como un instrumento político y social requiere una conciencia importante, y aunque muchas veces se puede desconfiar sobre su sinceridad, para el oyente y amante del ska es una magnífica inversión. Gran disco, pese a no ser el mejor de los vallecanos.

Sólo para disfrutar

2009-02-18T16:14:00.005+01:00

A finales de 2002, los años ochenta volvían de la mano de Los Secretos, que ponían en circulación el disco Sólo para escuchar. Esta obra se convirtió en el primer álbum del grupo tras la muerte de Enrique Urquijo, y bajo el liderazgo de Álvaro. Se trata de un LP con melodías y letras dulces hasta el empalago, pecado perdonable cuando la calidad artística es inevitablemente reconocida.

Siete años sin ningún nuevo trabajo de estudio, una gran espera y el resultado esperado. El deleite y el disfrute de este disco es condición indispensable para el buen aficionado a la música. Una mirada retrospectiva, un disco profundo y cálido, y una oda al pop creado como en sus orígenes.

Once canciones de melodía lenta y guitarra al más puro estilo de la banda componían la obra en cuestión; una obra que cuenta, además, con las participaciones de artistas como Jackson Browne en la versión española de su canción In the shape of a heart, o Quique González, que puso letra a Discos de Antes:

1- Cada Vez Que Tú Me Miras
2- Como Un Corazón
3- Cada Día
4- Cerca
5- Está Prohibido Llorar
6- Mientras Me Enseñas
7- Alguien Como Tú
8- Nada Que Decir
9- Discos De Antes
10- Contando Estrellas
11- Gracias Por Elegirme

Death Magnetic (2008) - Metallica

2009-01-06T23:44:00.010+01:00

Estrenando el 2009 hablaremos de uno de los discos que personalmente más he esperado por lo que ha supuesto en este año pasado 2008, Death Magnetic, Metallica:

Nuevo disco de Metallica, o lo que es lo mismo, incertidumbre. Con el disco anterior, St.Anger (2003), anunciaban su vuelta a los origenes (y todos sabemos que NO fue así), y con este disco era más de lo mismo.

El disco empieza con unos latidos de corazón reflejando esa incertidumbre antes descrita. Guitarra tranquila, pausada y acustica (¿Battery?). In crecendo y tenemos una canción con reminiscencias a Blackened, ese riff de guitarra sucio, muy garagero. Tralla, pura tralla. Doble bombo, solos de guitarra y en la voz de Hetfield hay algo que me suena diferente, ese "deje" adquirido a partir del Black Album no está, o aparece muy poco. That Was Just Your Life, 7 minutos de canción y parece que han vuelto, o lo han intentado, al trash.

Segunda canción, titulada The End Of The Line, mucho palmute, otros 7 minutos y sigue habiendo tralla y solos, parece que no es el St. Anger definitivamente. No es una segunda canción estilo Master of Puppets o Ride the Lighting.

A esta canción le sigue Broken, Beat & Scared. No es que destaque pero podemos ver, en sus solos, y en los de todo el disco, como la evolución de Hammet hacia un estilo más progresivo, no son grandes solos pero el virtuosismo es latente.

The Day That Never Comes es el gran sigle de este disco. El número cuatro del disco como One, y Fade to Black, y nada tiene que envidiarles a estos dos himnos de Metallica. Es aquel sonido de los 80 trasladado al siglo XXI. La canción empieza suavemente, muy melódica, con ese riff repetido constantemente y poco a poco va endureciendo el sonido. Palmute y empieza esa parte dura, al más puro estilo de la parte final de One y el solo final de Hammet digno de recordar, sus nuevas influencias y su gracia a la guitarra. Aquí el mexicano nos recuerda porqué es tan grande. Esto es Metallica. En este track tenemos momentos donde estamos pensando en otros discos, momentos donde The Day That Never Comes se confunde con Creapping Death, Fade To Black o incluso el Seek & Destroy de otra época.

La quinta canción All Nightmare Long empieza con el bajo del animal Trujillo, nos está diciendo: soy miembro de Metallica y aquí estoy, volviendo al trash que no debiamos haber dejado. Pero en ningún momento se está equiparando a Burton o a Newsted (con el cual se "cambió" en Ozzy). Él es Roberto Trujillo. All Nightmare Long huele a single, a promoción y después de The Day That Never Comes así fue. Tiene un estribillo pegadizo, una melodía bonita y no se vuelve muy pesada, ni tiene largos solos. Es una canción del tipo Black Album pero de los 7 minutos de rigor.

Cyanide tiene una pesadez del trash mas ...And Justice de la banda. Nos muestra esos cambios al canal limpio, y el ritmo de las guitarras palmuteadas hasta el infinito. El Wah-Wah de Kirk aparece y desaparece y los duos acompañan a los puentes hacia los estribillos. Los solos son brillantes pero no relucen como en otra época. Una buena canción para una vuelta más que digna. Lo único que falla, a mi entender, es la bateria de Ulrich, el cual parece que no puede dar la talla. En un grupo como Metallica no puede limitarse al ritmo más básico del rock, y más siendo ya no un disco de baladitas ("Load", 1996). ¿Donde está esa creatividad de Master of Puppets o ese doble bombo imparable?

Unforgiven III es más de lo mismo, es la razón por la que Metallica se convirtió en Load y Reload y por supuesto en St. Anger. No es nada nuevo y lo único que nos intenta arremeter es una continuación de una canción que SOLO se puede clasificar en el Black Album. Baladita ñoña que sencillamente no acaba de entrar en el disco. Eso sí, 7 minutos.

The Judas Kiss, la octava canción, es reminiscencia pura y dura. Es el nuevo Harvester of Sorrow, con sus partes pesadas y largas. Parece que confirma el intento de hacer un nuevo ...And Justice for All (1988) por parte del grupo, o de actualizar su sonido. Es ritmica, y en ella aparece la rapidez y la juventud de otra época.

Si tuviera que separar una canción del resto del disco por ser absolutamente mágica y considerarla de la "buena época de Metallica" (los 4 primeros discos, e incluso el Black Album) entraria esta canción, Suicide & Redemption, digna sucesora de Orion. No hay parte que no pueda eliminar, magnifíca en toda su plenitud.

Esta instrumental nos confirma e indica que Metallica no ha querido hacer un St. Anger o un Load, no, esto es algo distinto. La parte tranquila, la del canal limpio que aparece hacia los 5 minutos de canción (el track 9 no dura los 7 minutos de rigor, navega hasta los 10) y su increcendo hacia el ritmo anterior es magníficamente comparable a (para mi entender) la mejor canción de Metallica To live is to die, la "instrumental" (recordemos que tenia esa estrofa casi al final de la canción). El solo posterior es impresionante y la vuelta al tema inicial nos trasporta a un estado de euforia. Metallica ha vuelto.

Para terminar, la décima canción, tenemos My Apocalypse, una canción en la línea de Dyers Eve o incluso Metal Militia, grandes canciones finales de el grupo californiano. El final de la canción, con todos los instrumentos a la vez, termina la canción, termina el disco, esperemos que no termine la gran vuelta de Metallica.

Y para quien pueda permitírselo, o aún queden entradas, Metallica, con el Death Magnetic Tour vendrá a España, a Madrid, junto con Mastodon, un grupo muy bueno, y Lamb of God, grupo de metalcore muy recomendable.

01. That Was Just Your Life (7:08)

02. The End Of The Line (7:52)

03. Broken, Beat & Scarred (6:25)

04. The Day That Never Comes (7:56)

05. All Nightmare Long (7:57)

06. Cyanide (6:39)

07. The Unforgiven III (7:46)

08. The Judas Kiss (8:00)

09. Suicide & Redemption (9:57)

10. My Apocalypse (5:01)

Fdo:
Un Humilde Redactor

Recomendaciones navideñas

2008-12-24T11:49:00.012+01:00

Ahora que ya estamos inmersos en la época navideña y desgraciadamente a la gente le da por un consumismo masivo y por regalar móviles, perfumes, consolas, ropa cara y demás misceláneas, también le da por regalar música. Pero lo que se compra es Operación triunfo, Reggaeton, y demás cantinelas “ploreras” de cantantes pastelones y hacia un público imberbe que se cree que emoción en la música es que un cantante ponga cara triste y de estreñido al entonar un estribillo. Nosotros hemos pensado que puestos a recomendar, recomendamos algo de escucha saludable que no lastime el oído ni la mente ni el espíritu. Ahí va nuestra recomendación:

REGGATTA DE BLANC

A finales de los años 70, Police supuso una ráfaga de aire fresco dentro de la escena musical del momento. Con una sugerente (y efectiva) mezcla de sonidos punk y reggae y una maestría a la hora de tocar los instrumentos para un grupo de aquellas características, la sofisticación de Reggatta se hace patente en temas como “Walking on the moon” o “Does everyone stare”.

LA LEYENDA DEL TIEMPO:
Los poemas de Federico García Lorca, la guitarra de Tomatito y la voz de Camarón forman una combinación que se traduce en el mejor sonido flamenco posible, aunque muy distinto de otras de las obras de Camarón. Una fusión de estilos de lo más exquisita, rozando el rock y el jazz, en cantes por bulerías, rumbas y alegrías; melodías que elevan los oídos, “flotando como un velero”. A destacar la canción que da nombre al disco.

RAGGED GLORY

Los años 80 fueron años de bajón creativo y productivo para muchas de las estrellas de la escena rock (véase Dylan). Neil Young no fue una excepción. El resurgir de Young, ya en el año 90 (aunque en Freedom ya dio muestras de mejoría) no podría haber sido más estruendoso. Guitarras al unísono y creaciones desbocadas que consiguen que uno salte de la cama como un “crazy horse” al sonido de temas como “Fukin´ up” o “Love only love”. No es menos para una leyenda de su categoría.

THE WALL:
Un disco de los más completos que existen. Es muy difícil crear un álbum que cuente una sola historia en el global de sus canciones. Sin embargo, la banda de Roger Waters lo logró, e iluminó contradictoriamente al mundo con una oscura obra maestra del rock progresivo. Desde los males de la guerra hasta los problemas sociales más traumáticos son vividos de forma activa por ‘Pink’, el antihéroe protagonista de esta opera rock. Un disco muy recomendable. A destacar, la dividida en tres ‘Another brick in the wall”.

LED ZEPPELIN I

Los Zep fueron probablemente la banda más grande del planeta en sus años de esplendor (1969-1975). Todo lo que crearon e inventaron y que después les haría leyendas del rock duro ya están en la semilla de su primer álbum. Escucha “Dazed and confused”, “How many more times” o “Communication breakdown” y ríndete a los maestros del rock y el blues en sus comienzos, en una obra que sólo tardaron en producir ¡29 horas!

IN UTERO
El sonido grunge elevado a su máxima expresión. La banda de Kurt Cobain publicaba en 1993 su tercer y último disco de estudio, tras el ruidoso éxito de Nevermind. El fruto de ese éxito fue un sonido mucho más lúgubre, música en cierto modo experimental para atraer a los públicos más alternativos. Sonidos desgarradores, guitarras asesinas y las letras y voz inconfundiblemente rabiosas de Kurt crearon polémica en la sociedad norteamericana del momento. Destaca Heart-Shaped Box.

TINY CITIES
Cuando Mark Kozelek y los suyos disuelven Red House Painters, una de las bandas de la escena underground del rock americano, a su líder le dio por ver boxeo por televisión. Poco después y con un nombre venido de un púgil coreano, crea Sun Kil Moon. Su tarjeta de presentación, un álbum íntegramente de versiones de otrora banda de culto (Modest Mouse), vistas desde un punto de vista acústico y enternecedor. Sosegadas e intimistas melodías, sus poco más de 33 minutos de duración te permitirán escuchar una delicatessen de esas que por aquí no son muy conocidas.

FEAR OF THE DARK:
El noveno álbum de la banda británica de heavy destaca por sus desgarradoras melodías, sus incesantes solos, sus grandiosos riffs, y su profunda oscuridad. Desde ritmos rápidos hasta baladas que encienden la llama más característica del metal. La siempre inconfundible voz de Bruce Dickinson pone la puntilla a unos sonidos que no dejarán indiferentes a los amantes del género. Cabe incidir en la canción Wasting Love, una de las mejores baladas de la banda.

PARSELY, SAGE, ROSEMARY AND THYME

Simon y Garfunkel fueron probablemente el dúo en que se cimentó la banda sonora de finales de unos convulsos 60. En este álbum podrás disfrutar de un amplio abanico de armonías y melodías sin ningún tipo de artificio y distorsión. Como siempre, el dúo es capaz de abordar con sencillez y dulzura temas políticos pero también las relaciones humanas. La sencillez es su principal baza, de ahí los aciertos de este edulcorado álbum que se puede disfrutar de un tirón.

BSO EL DÍA DE LA BESTIA
El día 25 de diciembre nace el profeta, y el anticristo… Si la película es una oda demoníaca, no se puede esperar otra cosa de su banda sonora, aglutinadora de bandas satánicas y artistas excomulgados. Death metal en estado puro para evocar al diablo. Eso sí, si eres de ánimo frágil abandona la idea. Hace falta mucho más que una mente diabólica para entenderlo: hace falta entender que la llegada del Apocalipsis alcanzará tus oídos con una fuerza brutal. Destaca el tema El día de la Bestia, de Def con dos.

Por: NICOLÁS SIETE & DÉÄGOL

Con las pilas recargadas, el regreso derrama plenitud

2008-10-13T13:53:00.005+02:00

Con su ya habitual actitud camaleónica y tras los breves periplos musicales con Nacho Vegas (el recomendable Tiempo de las cerezas) y la Gira en mayúsculas con Héroes del Silencio (los colaboradores de este blog hace un año disfrutamos del éxtasis de su retorno ¡en dos conciertos!) Bunbury nos regala un álbum fresco y rebosante de rock and roll. Después de la abrupta y repentina disolución del Huracán Ambulante, la banda que lo acompañó durante 5 años y habiendo pasado 4 años desde su última creación en solitario, irregular El viaje a ninguna parte, Bunbury decidió afincarse en Cádiz y adquirió una propiedad cuyo nombre hereda su nuevo álbum.

De la mano del sempiterno productor Phil Manzanera y con nueva banda al frente (sólo queda del Huracán el batería Ramón Gacías) Bunbury abandona en su nuevo disco las distintas vertientes musicales de sus anteriores trabajos (¿influencias de Bowie?) y se centra en el rock and roll más occidental, si exceptuamos la canción Todos lo haremos mejor en el futuro una mezcla entre el estilo cabaret y Tom Waits.

Por tanto ya no se puede hablar de reinvención como ya nos acostumbramos en el pasado con cada nueva entrega del camaleón maño.

El álbum se puede dividir en dos partes. La primera es rock energético y potente, desde El hombre delgado que no flaqueará jamás hasta Hay muy poca gente, donde junto a Bujías para el dolor parecen las dos mejores canciones de esta parte del disco. Letras ácidas y guitarra, mucha guitarra.

La segunda parte es más tranquila, pero si cabe, más emotiva. Y es que tanto El porqué de tus silencios como Canción cruel (joder, qué buena es) no desmerecen la alta calidad que a mi juicio destila todo el álbum.

Y es que es de agradecer que el repertorio se haya “reducido” a once temas, lo que hace que durante el álbum no se sucedan altibajos como ocurría en El viaje a ninguna parte, quizá la mayor pega de ese álbum.

Bunbury regresa tal y como lo hizo en Flamingos, con actitud de pelear encima del escenario, no en vano él ya ha declarado que éste es un disco por y para el directo, para escuchar a todo volumen. Y además tiene Canción cruel…

PD: el video adjunto es el tema Hay muy poca gente, presentado en directo en el programa de Buenafuente.

Puntuación: 9

La canción de que el tiempo se parara

2008-09-30T16:10:00.004+02:00

"Ciertamente existe una ley no escrita, de acuerdo con la naturaleza, conocida por todos, constante y sempiterna... A esta ley no es lícito agregarle ni derogarle nada, ni tampoco eliminarla por completo".

Como a lo largo de toda su discografía, este nuevo disco no iba a ser menos, repleto de letras irreverentes a la vez que decadentes, solos de guitarra electrizantes, y cambios de ritmo de infarto: el sonido transgresivo elevado a su máxima expresión. Como si no hubieran pasado seis años desde su último disco de estudio, Yo, minoría absoluta, Extremoduro vuelve con un estilo algo distinto, pero con una calidad mayor, aumentada en parte por el simple hecho de que muchos valoramos que hayan conseguido envejecer sin venderse. En varias entrevistas, Roberto Iniesta dijo que no sacaban nuevo disco porque no tenían buen material. Y preferían sacar un disco de calidad aunque tardara más en salir, que vender por vender. Tras tantos años de silencio, era difícil imaginar cómo serían los nuevos temas. Y seguramente nadie esperaba un disco así.

La ley innata es algo así como Pedrá, pero dividido en seis: a pesar de todo es posible escucharlo sin una visión unitaria. Es una canción hecha disco, partida en seis fragmentos que igual pueden vivir por sí solos que formar un ente conjunto. Un ente conjunto que, una vez más, refleja la visión de la banda sobre el mundo: el caos, el sueño, lo de fuera, lo de dentro, la realidad y la otra realidad. El método utilizado por la banda ha sido el empleo de unos cambios de ritmo fulminantes, que hacen a unas canciones navegar hacia fragmentos de las anteriores, cambiando la melodía y la velocidad de los sonidos, y dotando al disco de un nivel impensable tras la aparición de los Grandes Éxitos y Fracasos I y II, que hacían presagiar una caída libre del grupo en cuanto a ideas e inspiración.

A pesar de todo, todavía muchos fans críticos dicen que han perdido chispa, que ya no son lo mismo, que se han vendido; simplemente porque el disco no tiene la potencia de trabajos anteriores. Sin embargo, crear un sonido distinto no es venderse, sino creer en uno mismo y no temer esas críticas que se sabía que podían llegar. Para mí es como si se hubiera detenido el tiempo, como dice Robe, “la canción de que el tiempo no pasara”. Poesía pura, un disco que debe pasar a la historia del rock en castellano como uno de los grandes.

AVISO:"El rock transgresivo es eficaz en el tratamiento de enfermedades que cursen con síntomas tales como ansiedad, angustia, obsesiones, compulsiones, fobias e hipocondrias. Está igualmente indicado en el tratamiento de las relaciones emocionales exageradas que surgen en situaciones conflictivas y de estrés. Asimismo se recomienda en estados en los que existe dificultad de contacto interpersonal y de comunicación: trastornos de la conducta, agresividad excesiva, inadaptaciones escolares, paranoia galopante, etc".

El Ritmo del Garage (1983) - Loquillo y Trogloditas

2008-05-20T17:47:00.005+02:00

Este disco es una oda al rock´n´roll más clásico e incluso surfero del panorama musical del momento. Nacía un gran grupo de rock que daría que hablar en la Movida. El disco se publica en 1983 por la compañia Dro.

El compositor de todas las canciones, Sabino Méndez, guitarra del grupo, con un estilo directo y sencillo, con canciones simples consiguió encumbrar a ese rock del Loco, aún sin teclados ni distorsión, ni ningún otro instrumento que las guitarras como lenguaje predominante.

Es en este disco y no en otro cuando se graba el espíritu de la movida madrileña, con Alaska colaborando en dos temas, El Ritmo del Garage y Quiero un camión. De este disco son también grandes canciones como Barcelona ciudad, una canción crítica con su ciudad natal que los "desterró" a Madrid, o el gran himno del grupo, el Cadillac Solitario, un rock´n´roll en toda regla.

El disco empieza con la canción que le da nombre, una canción que en una versión posterior daría mucho que hablar. El ritmo del garage es una canción sencilla (son tres acordes) con un riff potente, aunque en este disco no se aprecia la fuerza que puede contener esta canción en su versión en directo del A por ellos... que son pocos y cobardes.

Canciones como Rocker City, Pégate a mi, María, Tejanos rellenos, Me convertí en hombre lobo por culpa de Los Rebeldes o No surf definen ese estilo llamado rock´n´roll, con letras cuanto menos pícaras y ritmos acelerados. Accidente de circulación contiene la magia de Autopista, una canción de carretera de la época de Loquillo y Los Intocables.

Así este disco no es más que el comienzo de una de las bandas de rock que han abierto brecha en el panorama musical español, es el nacimiento del mito de Loquillo, el rockero más alto y con más clase del rock español.

"Es el punto de partida, el momento en que aterrizamos en Madrid, donde nos clasificarón de "grupo de macarras con rayban". Los únicos que nos entendieron fueron Eduardo Benavente, Alaska, Iñaki de Glutamato Yé-yé y los Gabinete"

Loquillo

El filo de la navaja

2008-05-12T20:42:00.006+02:00

Corría el año 1990 cuando a los hermanos Young se les ocurrió la genial idea de sacar un nuevo disco al mercado. AC/DC volvía al panorama del rock internacional tras casi tres años de inactividad. Blow up your video había sido su último disco, y la banda australiana volvía con la discográfica que mayores éxitos le había hecho cosechar, Atlantic Records, sobre todo con el disco que la encumbró, Back in black (1980).

The razors edge combina todas las virtudes que hicieron grande a esta banda entre finales de los setenta y principios de los ochenta: guitarras excelentemente punteadas, con solos a una velocidad de vértigo y riffs extremadamente poderosos (obra de Angus Young); un batería con un genial sentido del ritmo (Chris Slade), al igual que el segundo guitarra (Malcolm Young); la voz desgarrada y aguda del vocalista (Brian Johnson); y un bajo que no destaca en exceso (Cliff Williams) pero que tampoco queda atrás en cuanto a calidad.

Thunderstruck fue el primer single. Esta canción, mundialmente famosa en la actualidad sobre todo por su riff inicial, abre el telón, dejando un buen sabor de boca para el disfrute del resto de la obra. Destacan también Are you ready, convertida en todo un himno del rock, y Moneytalks, los dos siguientes singles; por otro lado también cabe destacar Fire your guns y la canción que da título al álbum, The razors edge.

Una obra maestra del metal que consiguió llevar de nuevo a la cima a una de las mejores bandas de rock de la historia. Este fue su último gran disco.

Bendita experimentación

2008-03-27T00:19:00.007+01:00

Pedrá es una canción experimental grabada en 1993, que da nombre al disco con el mismo nombre (el disco contiene únicamente esta canción). Salió a la venta bajo la autoría de Extremoduro, cuando en realidad se trataba de un proyecto conjunto entre algunos miembros de diferentes grupos, como Iñaki Antón de Platero y Tú, Gary, batería de Quattro Clavos y Roberto Iniesta, líder del propio Extremoduro, además de un saxofonista llamado Selu, quien fue el impulsor del proyecto. Además se contaba con la colaboración de algunos músicos independientes y de Fito Cabrales, de Platero, y Ramone, de Capitán Kavernícola.

La canción comienza con una frase que describe la sensación que se queda al oyente cuando termina: "No me importa que me claves como a un Cristo en la pared"... Después de haber escuchado esto, no me importa nada. Este tema significa la fusión de varios estilos, desde el rock duro más desgarrador (llevado a la máxima expresión por la guitarra de Iñaki) hasta el flamenco guitarrero más nacional (expuesto con el majestuoso punteo de Fito emulando a históricos guitarristas flamencos), junto a fragmentos en los que aparece un sonido cercano al jazz, con solos de saxofón espléndidos. La gran variedad de estilos aglutinados hace de la canción algo especial, único. Y la voz quebrada de Roberto Iniesta, acompañado por Ramone, pone la puntilla.

Si hay algo que reprochar a esta canción es su sinceridad extrema, queriendo decir esto que la letra no tiene tapujos a la hora de emplear palabras malsonantes (algo que por otra parte, es positivo de cara al oyente, porque demuestra el sentir del autor), además de que incluye fragmentos muy violentos.

A pesar de todo, merece la pena escuchar los 29 minutos escasos que dura. Puede parecer a priori una canción muy larga, pero una vez la estás degustando sabe a poco.

Escocia es bella

2008-03-25T19:49:00.005+01:00

“The man who” es el manual idóneo que todo aficionado a la música brit pop debería estudiar. Fran Healy y los suyos explotan su capacidad de generar canciones embebidas en pozos de melancolía.

Si en su primera obra ("Good feeling", 1997) querían rockear, en este segundo álbum los chicos de Travis se refugian en los paisajes verdes y boscosos bajo el grisáceo alba de Escocia.

La portada del disco da unas tremendas pistas de por donde viaja todo el álbum. Pop bello, así es como defino este disco. La melodía, por encima de todo, es lo que encumbra esta obra. Es una música bellísima, con ese toque melancólico tan característico del grupo.

Nigel Godrich, productor del disco, se sitúa como pieza capital a la hora de engranar las canciones y de diseñar el sonido del grupo.

Mucho se habla de las excelencias de grupos como Coldplay o Keane, pero Travis estaban antes y siguen siendo mejores, afirmándolo con el convencimiento de que todos los otros grupos siguen un peldaño por debajo. La explosión brit que hubo con estos dos grupos llegó en el momento más duro de Travis (años 2002-2003), con la publicación de “12 memories”, el disco más flojo del grupo.

“The man who” está repleto de canciones con buen gusto. Con una base rítmica impecable, el tañer de las guitarras es una de las marcas personales del grupo. Escucha y disfruta temas como “Driftwood”, “Why does it always rain on me?” o “Turn”, convertidas ya en clásicos del género.

Recomiendo a todo aquel que les gusten las canciones radiadas de Coldplay o Keane que escuche a Travis y este álbum. El grupo regresó tras cuatro años de silencio el año pasado con otro gran trabajo de estudio (“The boy with no name”), y es que la banda invisible sigue siendo eso: invisible al público y disfrutada por todos aquellos que la conocemos.

Nota: 9

Dulce cosecha

2008-03-08T16:25:00.008+01:00

Neil Young es muchas cosas. Sus innumerables vertientes dentro de la música rock no son más que un fiel reflejo de aquel que parece haber sido agraciado celestialmente con el don de poder inventar y llevar a la práctica algo que nos llega al alma.

Harvest (1972) es para un humilde servidor, uno de los 10 mejores álbumes de la historia del rock.

Young aparta por un tiempo de su lucha, el rock enérgico y reivindicativo, las largas y desbocadas improvisaciones creativas con su legendaria banda “Crazy Horse” y cultiva en su mente y en el estudio un álbum atípico por aquellos tiempos. La cosecha de ese año da como fruto un rock tranquilo una y mil veces imitado, y una y mil veces no superado.

La aterciopelada voz de Young, unida a la maestría compositora que eyecta de forma pulsátil durante todo el disco, se redondean con la participación en la ejecución de las canciones de otrora legendaria banda, los “Stray Gators”, la Orquesta Sinfónica de Londres (en un par de temas) y colaboraciones estelares como las de James Taylor o Linda Ronstadt.

No hace falta sustraerse mucho para notar como desde la primera canción, la música nos lleva de viaje hacia las vastas campiñas canadienses donde el Young niño se crió.

Resulta paradójico que alguien que ha creado a lo largo de sus incontables años de carrera canciones que pasarán a la posteridad por ser alegatos políticos por la libertad e himnos roqueros , alcanzase su número uno más famoso durante la producción de su disco más pausado: hablamos de Heart of gold.

Sin embargo, mi alegato en favor de Old man, pues tras un veintena de discos escuchados de Neil Young, esta canción sigue sonándome tan fresca como el primer día, con ese banjo tan melódico.

Neil Young cavó y sembró en el olimpo roquero una semilla que a día de hoy todavía perdura como lo que es: una obra maestra

Nota: 10

Densa niebla

2008-02-28T18:18:00.006+01:00

El joven vuelve tarde de trabajar. Ha sido un día duro. Abre la puerta y acto seguido la cierra con llave. Atraviesa el vestíbulo, llega al salón, cierra las cortinas y baja las persianas. Pone la luz del salón al mínimo. Enciende el equipo de audio y coloca en él Mezzanine. Comienza la niebla. Se lía un canuto. Desea olvidar los sinsabores del día. La densa atmósfera se adueña del ambiente, de su cuerpo, de su mente. Lo ha logrado. Es evasión, oscuridad y novela negra. Es Mezzanine. Es Massive Attack.

Esta podría ser una hipotética situación ahora, en algún lugar del mundo. La situación puede cambiar. El personaje puede cambiar. La música no.

He oído decir que Bristol era un muermo de pueblo de Inglaterra. No lo sé pues no he estado. Pero también dicen que allí, dos bandas, Massive Attack y Portishead, la transformaron a base de Trip-hop, estilo musical basado en una exuberante fusión de samplers de otras canciones, un aterrador bajo (el instrumento más importante), guitarras, dub, soul y una excepcional nebulosa de efectos.

Mezzanine (1998) es seguramente el mejor álbum de trip-hop creado nunca. Posee todos los ingredientes que debe de tener esta música para transportarte a los más profundos suburbios del inconsciente. La fina niebla que comienza a entretejerse en los iniciales boom-boom de Angel, el primer tema, acaba transformándose en la densa niebla que mejor define el disco. El chico termina el álbum y… desconcierto, ¿dónde estoy?

Destaca la aportación vocal en algunas canciones de Elizabeth Fraser (cantante de Cocteau twins, This Mortal Coil), aportando la elegancia y sensualidad que remata el planteamiento inicial. Teardrop es elegancia, tristeza y abatimiento, preciosismo y ternura.
Dissolved girl muestra la crudeza de la vertiente más dura del álbum.
Inertia creeps es tribalidad y Black milk es misterio.

Presentación, nudo y desenlace. Parece una novela negra. Se convierte en la mejor arma para desentrañar marañas. Y si no lo consigues, siempre puedes subir las persianas.

Nota: 8,5

Sendero a la perfección

2008-02-25T11:23:00.003+01:00

He de reconocer que me siento un poco abrumado a la hora de realizar la crítica de este álbum. Es imposible ser objetivo cuando analizas el mejor disco de tu banda favorita. La banda que te acompañó durante tu adolescencia, el grupo con el que has crecido como persona, la música con la que aún, con el paso de los años, te emocionas, te pone los bellos de punta, te prepara para la batalla y te impide darte por vencido en todos los escollos que te pone la cotidianeidad.

La primera vez que escuchas Senderos de traición se te queda la sensación de pensar “si yo fuera músico, esto es lo que querría hacer”. La última vez que lo has escuchado la opinión sigue siendo la misma.

Lo innegable, lo irrefutable de Senderos de traición así como el resto de discos de Héroes, es lo bien que envejecen las canciones y pocos grupos (aquí en España casi ninguno) pueden presumir de ello. Con el paso del tiempo, lo que antes significaba una letra para ti, ahora ha cambiado de significado, pero todo sigue teniendo un regusto y un anhelo que encaja como un molde en tu alma.

El arte de hacer y dejar y hacer. Esto mismo reza en la biografía de Bunbury, Lo demás es silencio, del periodista Pep Blay, acerca de la producción de Phil Manzanera, el legendario guitarrista de la otrora legendaria banda glam-rock Roxy Music.

El sonido (no las canciones) a priori decepcionante por su vertiente excesivamente producida de su primera puesta en largo, El mar no cesa, un sonido pop que no encajaba en la personalidad “devoramundos” del grupo, se vio superada por la excelente labor del productor.

Ahora la música se aproximaba a sus expectativas, a sus directos, al ruido y la furia.

Comienza el disco. Entre dos tierras ¿la mejor canción de Héroes del silencio? La moda va por barrios y por temporadas. Nunca he tenido canción predilecta de Héroes. Es la primera que te entra, la que reproducías en el viejo walk-man una y otra vez. Qué fuerza y qué espíritu sigue emanando esta canción. Maldito duende. Maldita sea, el disco sigue rayando a un nivel inalcanzable. La carta. Lo mismo te hace un roto que un descosido en el corazón. Malas intenciones. Inmejorable forma de mandar a tomar viento a quien sea. Sal-senda, o lo que es lo mismo, lo que todos hemos necesitado en algún momento, encontrar un camino que poder recorrer y llegar al fin del mundo donde gritar y expulsar todas las cosas que te aprisionan el pecho y no te dejan respirar. Hechizo. La sensación que seguro has tenido alguna vez de estar hipnotizado por alguien. Oración. Nada puede decidir por ti. Despertar. Todo se puede olvidar, todo se puede perdonar. Decadencia. O como recitaba en sus directos Bunbury, todo aquello que no podrás evitar ni tú ni nadie. Con nombre de guerra ¿se puede tocar de forma entrañable algo tan carnal y vacuo como una noche con una prostituta desconocida? Sí. El cuadro (II). Análogo al caso anterior ¿Qué grupo tiene una canción que se titule así?

Otra característica propia del grupo. Juan Valdivia. Mientras no ansiaba ser heavy, su punteo de guitarra era lo que distaba Héroes del montón. Un estilo que encandiló sobremanera a Phil, alguien que conoce la guitarra como la palma de su mano.

La base rítmica, Joaquin Cardiel y Pedro Andreu. NADIE lo hubiera hecho mejor que ellos.

Héroes del silencio buscaban un sendero donde encontrar la fuente donde confluían todos los elementos que a la postre sintetizarían Senderos de Traición. Ese sendero se abrió una primera y última vez ante ellos. Y el camino no les traicionó.

Nota: 10

Marionetas ante el metal

2008-02-18T23:22:00.006+01:00

En 1986 salía a la venta el disco Master of Puppets, de Metallica, una banda relativamente joven, pero ya afianzada en el mundo del heavy y el thrash metal, como lo quieran considerar.

La primera canción comienza con un punteo eléctrico, que termina por convertirse en un sonido salvaje, mezcla de guitarras y el arte en la batería de Lars Ullrich, además de un bajo impecable. Sorprende que Battery, en el fondo, sea de las canciones menos conocidas de Metallica. Su potencia da un adelanto de lo que será el disco al completo, con un par de solos centrales que estallan en tus oídos con la magia exuberante del metal más duro y una calidad espectacular. Kirk Hammett logra su objetivo de calar en el oyente con un sonido muy eficaz.

El final de Battery casi entrelaza con el tema principal del disco, Master of Puppets, una canción brutal, cuyo solo central es considerado una obra maestra por los amantes de la banda. Este solo significa la mezcla del sonido brutal que lo precede con una calidad estética basada en la lentitud del solo (punteado), que denota la gran variedad del estilo y del repertorio del grupo. Este solo central es casi inmediatamente precedido por un solo mucho más veloz, llamado a servir casi como telón de fondo de la canción.

Centrándonos en estas dos canciones podemos deducir la naturaleza del resto del disco, con una mezcla entre metal heavy y thrash que confunde a cualquiera en la asignación de un estilo fijo a la banda. Podría pensarse que canciones como The thing that should not be, Welcome home, Leper Messiah, Disposable Heroes o Damage Inc son canciones de relleno del disco; nada más lejos de la realidad. La calidad del disco al completo es enorme, y ello se debe esencialmente a la capacidad de adaptación de los miembros del grupo a los diferentes subestilos llevados a cabo por uno de los mayores grupos de rock que ha existido jamás, y particularmente a los cambios en el registro vocal de James Hetfield, vocalista del grupo. Orion culmina el excelente trabajo realizado con un sonido realmente majestuoso; una canción instrumental donde las haya, con una aportación hábilmente lograda del bajista Cliff Burton.

En definitiva, una gran obra maestra de la música, que cualquier amante del metal debe escuchar.

Chaos and creation in the backyard...

2008-02-12T20:35:00.000+01:00

….o como Paul McCartney nos estampa en la cara un discazo en el que proclama que todavía va a dar mucho que hablar. Cuando todo el mundo daba por acabado a McCartney (y esto no era algo infundado, pues hacía años que no elaboraba un producto propio de alguien considerado un maestro en el arte de la música pop), llega él y nos regala un álbum repleto de sorpresas y con un sonido que muchos de los nuevos autoproclamados reyes del género “brit” ya quisieran para su música.

En primer lugar, destacar que parte de la culpa de esta transformación la tiene el productor Nigel Godrich (Radiohead, Travis, Beck….casi nada), el cual aconsejó a “Macca” que tocara todos los instrumentos en el estudio. Luego Godrich cogió y lo engranó todo como sólo él sabe, aportando un sonido límpido, prístino y lleno de elegancia. No, no es que beba a los pies de McCartney, de hecho su carrera en solitario no me fascina como con los Beatles, y sólo salvo algunos retazos con los Wings (“Band on the run”) su aventura en solitario no me termina de gustar. Pero este “Chaos and creation…” tiene algo fascinante y absorbente, incluso algo misterioso que impregna todo el disco.

No destaco ninguna canción en particular, todas alcanzan un nivel parecido, pero lo gustoso del disco es que no se repite ni redunda en ningún estilo, todas tienen un toque distinto y a la vez equivalente, podemos escuchar un ritmo trepidante (“fine line”), guitarra española (“a certain softness”), sofisticación (“Riding to Vanity Fair”), sonido “beatleliano” de la época del Sgt Peppers (“friendo to go”), y destacando un servidor el sonido misterioso de “How kind of you”. El disco contiene al final de la última pista un tema oculto a piano. En definitiva, aunque a priori no te apasione la música de McCartney, esto es distinto. Muy recomendable.

Nota: 8

Tempo do afiador

2008-02-12T12:42:00.000+01:00

Desde Galicia llegan Los Suaves, con uno de los directos más potentes de lo que se llama rock estatal. Yosi y los suyos dan una lección magistral de cómo enloquecer a un público enfervorecido con música roquera. ¿Hay alguien ahí? es un disco triple de directos, con las mejores canciones de Los Suaves, y varias versiones de viejos roqueros como Chuck Berry (Johnny B. Good), Thin Lizzy (Massacre y Baby, please don't go) o Leño (Maneras de vivir).

Las versiones en vivo de Dolores se llamaba Lola, Si pudiera o El Afilador, son más reconocidas por este directo que por sus correspondientes versiones de estudio. Un directo abrumador, rompedor, muy logrado estéticamente, y llevado a la máxima expresión del estilo rock nacional.

Los viejos roqueros nunca mueren, y eso es lo que debía pensar Yosi cuando se planteaba la jubilación: "puedes atrapar el viento, llevar a casa el mar, evitar que pase el tiempo, pero no puedes, no puedes, no, no puedes dejar el rock"... El pasado noviembre anunciaron su retirada de los escenarios, tras treinta años de carrera musical. Siempre nos quedará El Afilador:

Ziggy Stardust, cuidado, Bowie viene a seducirnos

2008-02-11T19:36:00.000+01:00

¿Quién era Ziggy Stardust? Corrían los primeros años de la década de los 70, cuando un ya respetado David Bowie (por obras maestras como “Hunky Dory”) decidía crear un alter ego a su persona, un ser llegado del espacio acompañado de sus arañas espaciales (los “spiders from Mars”). No sólo variaría su persona sino también su música, convirtiéndola en una amalgama de garage-rock y un toque glam como nadie hasta ese momento le había dado a su música.

Si algo caracteriza a mí parecer a la música de este álbum es la mezcla entre los guitarrazos de uno de los mejores guitarras de la historia, Mick Ronson, con la exhuberancia que trasmite en las interpretaciones vocales el propio Bowie y unos arreglos que hacen que al final todo te encaje, de forma que si lo escuchas de un tirón te sabe a poco. Se puede hacer un aparte con cada canción, desde “Five years”(menuda orquestación) hasta “Rock´n´roll suicide” (algo así como la fotografía del disco), pasando por la canción cumbre del disco “Ziggy Stardust”, con su archiconocido riff de guitarra, pero considero que la pieza clave de este disco es “Moonage Daydream”, cuya interpretación final llevada a cabo por todo el grupo es un breve resumen de la majestuosidad de lo que puede llegar a ser el rock and roll más emocional.

Y es que ese solo de guitarra te atrapa y no te suelta en mucho tiempo…

Valoración: 8,5

Blind Guardian - A twist in the myth retail

2008-02-10T23:12:00.001+01:00

Este es, si no me equivoco, el último disco que sacó a la venta el grupo germano de power metal. Escucharlo suponía confirmar o desechar una idea: la de que hay estilos que no varían por mucho que pase el tiempo. El power metal no varía, aunque lo malo es que los grupos tampoco. De esta forma, el disco de Blind Guardian se antoja repetitivo en exceso, aunque se agradece que al menos haya un par de canciones decentes de las doce totales. Un grupo que ha perdido la potencia musical de hace unos años, aunque al menos no ha perdido el estilo, ni tampoco las grandes portadas. El disco se caracteriza además por contener una entrevista al grupo, la última pista del CD; quizá si fuera en castellano me habría molestado en escucharla.

1. This Will Never End
2. Otherland
3. Turn the Page
4. Fly
5. Carry the Blessed Home
6. Another Stranger Me
7. Straight Through the Mirror
8. Lionheart
9. Skalds and Shadows
10. Edge
11. New Order
12. Dead Sound of Misery
13. Interview

El comienzo de los males

2008-02-10T22:55:00.000+01:00

La creación de este blog se produce como complemento de su precursor, El uno por cien. En este blog se publicarán críticas musicales e información discográfica sobre CD's de estilos tan dispares como rock, punk, ska, heavy metal, power metal, e incluso flamenco o rumba... tanto actuales como clásicos. Ya se sabe... bakalao, música de ensueño.